lunes, 3 de mayo de 2010

NEOEXPRESIONISMO

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.

El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.


Artista característico del neoexpresionismo: GEORGE BASELITZ

Artista alemán, cuyo expresionismo figurativo contribuyó al renacimiento del arte representacional a finales del siglo XX. Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, nació en Deutschbaselitz, Sajonia, el 23 de enero de 1938. Adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión de la Kunstakademie de Berlín oriental. Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier. Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962. Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín. Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas. En la década de 1960 pintó varias series de figuras monumentales a las que llamó Héroes, Rebeldes o Pastores. Al final de este periodo comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. Continuó realizando figuras invertidas en las décadas siguientes, como puede apreciarse en Nariz roja (1987, Städtisches Kunstmuseum, Bonn), un desnudo femenino pintado con un estilo expresivo característico. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera. Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.

OBRA: "LEÑADORES DE MEISSEN"

Meissen leñadores, 1969, es uno de los cinco cuadros de tamaño similar con leñadores como el sujeto que fueron pintados por Baselitz entre 1967 y 1969. El trabajo de la galería, pintada en 1969, es el último de esta serie de pinturas relacionadas y se hizo justo antes de Baselitz comenzó a invertir sus imágenes.

El leñador desarrollado a partir de 'neuer gare "(el hombre nuevo), héroe de la figura que apareció en las obras de Baselitz en el momento en que estaba trabajando en la Villa Romana en Italia en 1965. Esta cifra combina elementos tomados de grabados m
anieristas que Baselitz conseguidas, especialmente las que muestran las distintas profesiones, con la iconografía heroica de realismo social, y la frase 'der neuer Typ', utilizado en el título de una serie de obras de este período, viene de la literatura de la Revolución Rusa. La decoración rústica de estas cifras se derivan de héroe puede pasar de Baselitz, en 1966, en la pequeña aldea de Osthofen, cerca de Worms, donde trabajó en un relativo aislamiento.

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HIPERREALISMO

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes.Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.Son importantes representantes de esta tendencia D. Hanson, J.Salt, D. Eddy, C. Clarke, J. de Andrea, J. Harvorth, A. Dworjowitz, C. Bravo., entre otros.

El arte pop es el percusor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutra y estáticas.


Artista característico del movimiento: RICHARD ESTES


Richard Estes (14 de mayo de 1932 en Kewanee, Illinois) Es una Americano pintor quien es mejor conocido por su fotorrealistas pinturas. Las pinturas consisten por lo general reflexivo, limpio, y lo inanimado ciudad y geométrico paisajes. Está considerado como uno de los fundadores del movimiento internacional de foto-realista de la década de 1960, con pintores como Ralph Goings, Chuck Close, Y Duane Hanson. Autor Graham Thompson escribió "Una demostración de la fotografía pasado a ser asimilados en el mundo del arte es el éxito de la pintura fotorrealista a finales de 1960 y principios de 1970. También se le llama super-realismo o hiper-realismo y pintores como Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack, Y Chuck Close trabajó a menudo a partir de imágenes fijas fotográficas para crear pinturas que parecían ser fotografías." La mayoría de las pinturas de Richard de la década de 1960 son de habitantes de las ciudades que participan en actividades cotidianas. Empezando alrededor de 1967, Richard comenzó a pintar fachadas de tiendas y edificios con vidrio ventanas, Y más importante, la refleja imágenes se muestran en estas ventanas. Las pinturas se basaron en fotografías en color tomaría, que atrapada la naturaleza evanescente de las reflexiones, que iba a cambiar, en parte, con la iluminación y la hora del día.


"LAS CABINAS TELEFÓNICAS"
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domingo, 2 de mayo de 2010

ARTE CINÉTICO

El arte cinetico es una corriente artística en donde las obras tienen movimiento o que parecen tenerlo. Esta corrinte artística esta basada en la estética del movimiento.
Las obras del arte cinético causan al espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban . También están incluidos dentro de este movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico.
El arte Cinético se ha dividido en dos tendencias: la del Movimiento Espacial, también llamada Cinetismo, que busca la modificación espacial perceptible y la Lumínica o Luminismo, nacida a finales de los años cincuenta del siglo XX y que tiene como característica el cambio de color, de la luminosidad y de la esencia de la obra.

Artista característico del ARTE CINÉTICO: JESUS RAFAEL SOTO


Jesús Soto (Ciudad Bolívar, 5 de junio de 1923 - París, 14 de febrero de 2005) fue un artista venezolano. Es un importante creador del arte cinético, que inicia y desarrolla a finales de los años 50.Pintor, escultor y artista experimental venezolano.
Estudia en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas (1942 1947), viajando a París en 1950 donde conoce a Agam y a Tinguely. Desde muy pronto muestra su interés por los fenómenos ópticos y el op art , así como por el arte seriado. En 1955 participa en la exposición de arte cinético de Denise René Le Mouvement, junto a Duchamp, Calder, Vasarely, Bury, entre otros. Aborda desde entonces el cinetismo a través de la repetición de elementos geométricos y la yuxtaposición de superficies, dirigiendo su atención a los efectos de textura. En 1963 realiza su serie de "Escritos" y, en 1965, "Vibración". A finales de los sesenta se hace patente su interés por la participación del espectador, tal y como demuestra en sus "Penetrables", donde convergen los trabajos que ponen en relación el tiempo, el espacio y el movimiento. En 1973 se inaugura el Museo de Arte Moderno Jesús Soto en su ciudad natal.


LA ESFERA JAPON:
Es una esfera multidimensional roja que simula el sol naciente, símbolo de Japón. Fue realizada para las olimpíadas de Seul. Lo más interesante es caminar al rededor de esa escultura para ver como va cambiando. También es interesante ver a alguien caminar por detrás apareciendo y desapareciendo.

LINKS DE INFORMACIÓN:

http://www.venezuelatuya.com/guayana/museo_arte_moderno_jesus_soto.htm

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OP ART

El interés de un grupo de artistas por plasmar sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas, dio lugar a una corriente artística que se denominó Arte Óptico, conocida mayormente por Op Art.
El Arte Óptico apareció hacia finales de los años 50, consolidándose en la primera mitad de la década siguiente.

El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.


El OP ART se caracteriza por:


  • La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético;

  • Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas;

  • En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente;

  • Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas;

  • El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Uno de los artitas representativos de el OP ART es VICTOR VASARELY:
Pintor húngaro nacido en Pecs, fue alumno de la Academia Mühely (la Bauhaus de Budapest) en 1929. Se trasladó a vivir a París en el año 1939. A partir de 1944 aborda la abstracción, en ella el campo cromático se reduce a algunos colores y la línea, elegante y flexible, juega un papel dinámico. La conquista del cinetismo aparece en filigrana en su obra, es el fruto de una labor dura, la forma-color, la unidad plástica, las polarizaciones corpusculares u ondulatorias que son los fundamentos de su lenguaje están prefigurados en el Étude Bleue (1930) y la serie de Zébres (1932/1942). A partir de estos datos antiguos el artista progresó en la perspectiva abierta del Manifeste Jaune de 1955, pasando de la pintura de caballete a la pared y de la superficie al volumen, introduciendo materiales nuevos como el aluminio o el vidrio, preparando la integración de sus obras en la arquitectura, lo que constituye finalmente su objetivo supremo, la decoración mural en homenaje a Malevich en la Ciudad Universitaria de Caracas tiene el valor de un símbolo. Vasarely ha hecho de la policromía arquitectónica una de las mutaciones capitales del presente aportando así al hábitat la armonía y la dicha, es el pionero prospectivo del urbanismo social del mañana. El teórico y líder del arte cinético recoge el mensje de los grandes precursores constructivistas y de los maesros del Bauhaus, elevándolo a la potencia vitalista de una civilización-cultuta planetaria. La amplitud de miras y la riqueza de las invenciones han convertido a Vasarely, al mismo tiempo, en el caso-límite y la referencia de la segunda ola del talante geométrico. Anuncia y domina la casi totalidad de los movimientos que a partir de 1950 animarán el movimiento óptico-cinético en el mundo entero, en especial toda la estética programada y hasta el op-art anglosajón. Por su sensibilidad, asume la síntesis histórica entre un Mondrian y un Albers.


Considerada tal vez el retrato más famoso de la historia, Mona Leonardo Da Vinci, Lisa ha sido bellamente transformado y resumieron mediante la innovación óptica Yvaral. Gracias a unos 50 rayas verticales de diferentes anchos, que se reúnen para crear este rostro icónico, tanto la manipulación de positivos y negativos del espacio mientras juega con las ideas de la percepción de profundidad. La pieza consta de dos colores: gris y blanco - anuncia su simplicidad modernismo Yvaral aguda, unida con su propia visión del auge tecnológico que viene durante la década de 1980 haciendo referencia a la composición binaria y el espacio fragmentado.

LINKS DE INFORMACION:

http://fatimarodriguez.galeon.com/Concepto.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Op-art

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=397

http://www.masterworksfineart.es/inventory/2045

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POP ART






Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara de Marilyn Monroe pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es un movimiento cultural, no sólo artístico, que surgió en los años 60, en Inglaterra y Estados Unidos, y tiene mucho que ver con el estado de una época. Como adjetivo de arte, Pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de la sociedad. Los términos de los valores "hermoso, bueno, auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente comercialización dentro de la realidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse y esto se refleja en las artes.
Este movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc.Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo.



El arte pop es la manifestacion plastica de una cultura pop caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.



Artista caracteristico del POP ART:



ANDY WARHOL


Fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Ha sido objeto de numerosos análisis, exposiciones de arte, libros y películas, como el documental "I Shot Andy Warhol".
La década de 1960 fue una década muy prolífico para Warhol. Apropiándose de imágenes de la cultura popular, Warhol creó muchas pinturas que quedan iconos del arte del siglo 20, como la sopa Campbell's Latas, Desastres y Marilyns. Además de la pintura, Warhol hizo varias películas de 16 mm que se han convertido en clásicos de metro como Chelsea Girls, Empire y Empleo Blow. En 1968, Valerie Solanis, fundador y socio único de SCUM (Sociedad para el corte a los hombres) entró a estudio de Warhol, conocido como la "fábrica, y disparó contra el artista. El ataque fue casi fatal.




Latas de sopa Campbell, también conocida como 32 latas de sopa Campbell, es una obra de arte producida en 1962 por el artista estadounidense Andy Warhol.
Consiste en treinta y dos lienzos, y con una pintura de una lata de sopa Campbell —cada una de las variedades de sopa enlatada que la compañía ofrecía en aquella época—.Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado de serigrafía. El apoyo de Campbell's Soup Cans en temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.
LINKS DE INFORMACION:
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SURREALISMO

El Surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.


Este movimiento se caracteriza por:



  • Pretender crear un hombre nuevo;

  • Recurre a la cruelad y a el humor negro con el fin de detruir todo matiz sanimentaloide;

  • No le interesa las conductas morales ni las manifestaciones humanas.


Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.



Artista caracteristico del DADAÍSMO:



Salvador Dalí (1904-1989)
Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.
Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.
También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.
Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública.Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizada en 1931.



La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931.

Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora (supuestamente en torno a la seis de la tarde). Dalí dijo sobre el cuadro: "Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se haya comido un cheque, asimismo me asombra que nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando.

  • LINKS DE INFORMACION:

http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
http://www.arteespana.com/surrealismo.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD
http://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria

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DADAÍSMO

El DADAISMO es un movimiento artístico surgido en Europa y en Norteamérica. Apareció en Zurich, suiza entre 1916 y 1922.fue una oposición al pasado violento de la guerra mundial. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle logica. Se distingue por la inclinación hacia lo incierto, a lo terrorifico y a lo fantasioso.busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mexclables y tiene una tonica general de rebeldia o destrucción.
El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestionan la existencia del arte, la literatura y la poesía. Por definición, cuestionan el propio dadaísmo.
Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, es decir, el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadá niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para dadá la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.
Artista característico del DADAISMO:
Marcel Duchamp fue un artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, y era hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y del pintor Jacques Villon. Duchamp comenzó a pintar en 1908. Después de realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia e hizo su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera (1912, Museo de Arte de Filadelfia), en la que expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. La pintura causó furor en el Almorí Show que tuvo lugar en Nueva York en 1913. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923, Museo de Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran espejo. Realizada en óleo y alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas. En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX, el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un porta botellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido, tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado, aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dada y el Pop Art. En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense.


Fountain es el más famoso de lo Duchamp llamados confeccionado esculturas ordinaria objetos manufacturados designado por el artista como obras de arte. Personifica el asalto a la convención y aceptadas las nociones de arte para el que Duchamp llegó a ser conocido. El original, que se ha perdido, consistía en un urinario estándar, puestas en la espalda y firmado con un seudónimo, «R. Mutt 1917 '. Este trabajo es uno de un pequeño número de réplicas que Duchamp autorizada en 1964, basados en una fotografía del original de Alfred Stieglitz.

LINKS DE INFORMACION:

http://www.tate.org.uk/servlet/ViewWork?workid=26850&tabview=text

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=235

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